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La musique a toujours été là pour Oriane Lacaille. Depuis sa petite enfance, elle la partage, la joue, la chante et la danse partout. Oriane se dit «Zoréol» (métisse d’un parent français de métropole et d’un parent créole réunionnais). Son père, René Lacaille est une des figures incontournables de la culture réunionnaise. Il a su nourrir sa famille de rougail et de séga, de cari et de maloya ! Oriane, née en 1986, est tombée dans la marmite, sa potion magique est le groove, la maîtrise de la danse ternaire, celle qui décale l’oreille européenne à l’envers. Elle grandit dans le pays froid (péï la fré en créole) –dans les Alpes- mais chez les Lacaille, dès qu’on passait la porte de la cuisine c’était les tropiques. Tandis que l’accordéon de René cascadait en notes, sa mère Odile se passionnait des mots. Dès son plus jeune âge elle ne cesse d’écouter et joue avec son frère les chansons d’Alain Peters, qui sont toujours une forte inspiration pour elle. Jusqu’à l’âge de 20 ans elle ne chante qu’en créole alors qu’elle grandit en France métropolitaine. Elle accompagne son père en faisant de la musique réunionnaise, elle-même mêlée et teintée de jazz, de musiques caribéennes, africaines et de toutes les musiques de bal traditionnel. Oriane monte sur scène à l’âge de 13 ans, quand elle accompagne son père dans ses tournées. La scène, c’est comme à la maison, c’est un truc de famille. C’est ce qu’ils font, les Lacaille, ou en tout cas les hommes, car pour les générations précédentes, les femmes n’y avaient pas accès. Rebelles, sa grand-mère et ses tantes se volaient le droit de jouer de la percussion, contournant ainsi les interdits et les carcans. Oriane monte sur scène sans interdit. Elle a pour elle la chance et le combat des anciennes et nouvelles générations, elle exerce le privilège de se concentrer uniquement sur la musique. Après la musique sont venues l’écriture et la poésie, l’héritage de sa mère. Pour les deux albums de son duo avec Coline Linder, Titi Zaro, Oriane se met à écrire en créole et en français. Plus récemment elle fonde Bonbon Vodou avec Jerem Boucris et renforce le mélange de ses «savoirs franco-créoles»: les rythmes, les mots, les mélodies… Oriane compose avec ses ukulélés ou son takamba (appelé aussi aouicha, c’est une guitare d’origine gnawa arrivée à la Réunion dans les années 70/80 et jouée par AlainPeters). Ses chansons sont écrites à la fois en français et créole. Son chant passe de l’un à l’autre comme s’il ne s’agissait que d’une langue métisse qui lui appartiendrait. Elle choisit de«mixer» toujours les deux langues afin de créer une poésie bilingue, joueuse, où les mots ont la part belle.Ses textes sont toujours au plus proche de ses ressentis et parlent tour à tour d’amour, de la féminité, de la maternité, de migrations, d’esclavage, de violences domestiques, ou racontent parfois ses rêves, qui sont une part importante de sa vie. Sa voix pure et douce est porteuse d’une puissance ancestrale qui transporte et émerveille. Oriane joue ses chansons sur scène en trio avec Héloïse Divilly (batterie, chant) et Yann-Lou Bertrand (contrebasse, trompette, chant). Trois humanités, trois voix, trois énergies en harmonie. Ces artistes au diapason nous font tantôt chalouper, tantôt vibrer, tantôt partir en transe, toujours avec amour et bienveillance.

La compagnie Raoui est née en 2019, sous l’impulsion de Morgane Audoin. De 2007 à 2009, elle suit la formation d’art dramatique des Classes de la Comédie de Reims. Puis, à l’Université de Poitiers, elle plonge dans des recherches qui mêlent migrations, mémoire et théâtre.
Plus tard, au sein de la compagnie de théâtre jeune public L’Atelier du Livre qui Rêve, elle sillonne pendant plusieurs années les écoles et les bibliothèques, avec des spectacles autour de la littérature jeunesse et de la poésie. Au milieu de tout ça, elle découvre le conte au gré de stages et de rencontres, qui lui donnent le goût de raconter, seule, et l’envie de développer une écriture personnelle. 
En 2017, elle intègre la FAI-AR à Marseille (Formation supérieure d’art en espace public), où elle débute l’écriture de NENNA, première création de la compagnie, un spectacle pour la rue, mis en scène par Maïa Ricaud (Cie Les Chiennes Nationales). Elle fait partie du Labo 2022-2023 de la Maison du Conte de Chevilly-Larue.

Bastien Lallemant est né en 1972 à Dijon. Il a étudié au Conservatoire à rayonnement régional de Dijon et à l’École nationale des beaux-arts de Dijon. Ses débuts musicaux se sont effectués au sein du groupe Les Joueurs de Biques.

Il entame sa carrière solo au début des années 2000. Ses talents d’écriture et d’interprétation ont été repérés dès son premier album, Les Premiers Instants, sorti en 2003, tout en sobriété et en élégance. Il évoque Georges Brassens comme influence majeure, mais aussi Claude Nougaro, Serge Gainsbourg ou Dominique A. Son parcours, riche d’expériences diverses et de rencontres fructueuses, croise régulièrement celui d’artistes comme Albin de La Simone, Bertrand Belin ou JP Nataf, avec qui il entretient des liens artistiques et amicaux.

Il est particulièrement connu pour ses “siestes acoustiques”, qui réunissent artistes et dormeurs autour d’une expérience d’écoute musicale et sensorielle.

Le maestro argentin Chango Spasiuk, figure internationale du chamamé, enrichit son parcours d’un nouveau projet pour faire vibrer les scènes du monde entier. Avec le répertoire « Taco y suela : tradiciòn » porté en trio, il réactive les énergies de sa terre natale en poursuivant son œuvre de transmission. Chango Spasiuk invoque ici les pères fondateurs de ce qui est bien plus qu’un genre musical : une culture vivante et métissée, connectée à la nature et empreinte de spiritualité. L’illustration de cette démarche reliant un riche passé et un avenir prometteur réside dans cette nouvelle collaboration avec le jeune accordéoniste Enzo Demartini. Les deux virtuoses se complètent entre diatonique et chromatique, pendant que le complice de longue date Marcos Villalba excelle aux percussions. L’adage local est évocateur : le chamamé est une prière qui se danse, une danse qui se prie… C’est une transe à la fois douce et puissante, une musique et une danse qui connectent les jambes au cœur pour embarquer le public dans une joyeuse communion universelle !
Ce n’est pas un lieu commun de parler d’univers quand on évoque cet immense accordéoniste qu’est Chango Spasiuk. D’un lieu dans le monde, il a fait un lien commun entre la tradition et le classique, entre les nuances modernes du jazz et de l’électro, entre l’exigence musicale et les énergies festives qui unissent les êtres entre les continents. En décembre 2020, cette universalité a d’ailleurs été reconnue par l’UNESCO qui a inscrit le chamamé à la liste du patrimoine immatériel de l’humanité, renforçant encore plus le rôle de figure mondiale de Chango Spasiuk.
Fort de ses racines familiales d’origine ukrainiennes, Chango Spasiuk ressent d’autant plus aujourd’hui l’importance de la résistance culturelle et du rayonnement universel de son art. Depuis sa région natale du nord-est de l’Argentine, il est devenu l’un des principaux représentants de ce genre musical qui fait miroir à sa culture-berceau : un intense métissage.
Gorgé de mondialisation avec son terreau amérindien guarani, son empreinte culturelle hispanique et ses ancêtres slaves, le magnétique accordéoniste rayonne depuis trente ans dans le monde entier : des lieux les plus prestigieux de la « hauteculture » aux scènes populaires dédiées aux musiques actuelles.
Artiste impliqué dans la transmission de la tradition, il se nourrit des autres genres musicaux et des innovations de notre société mondialisée pour partager l’universalité de ce qu’il magnifie de la culture métisse de sa région d’origine : programmes radios et télés, série de documentaires, musiques de films, collaborations artistiques transgenres et transnationales, concerts et partage d’expériences en streaming…
Chango Spasiuk est un artiste prolifique dont la liberté de création augmente de manière exponentielle au contact des artistes avec lesquels il a collaboré : Mercedes Sosa, Raul Barboza, Bobby Mc Ferrin, Cyro Batista, Kepa Junkera, Carlos Nuñez, Chancha Via Circuito, Per Einar Watle… Malgré l’abondance et la diversité de ses projets, ce « musicien trait d’union » sait toujours où placer le centre de son univers !
Une discographie abondante et évocatrice de son parcours depuis 1989, des nominations nationales et internationales, des médias pluridisciplinaires dithyrambiques… Chango Spasiuk essaime les énergies de sa terre rouge natale dans le monde !

Le cirque Lambda est une compagnie émergente, créée fin 2021. C’est une plateforme artistique pluridisciplinaire, fondamentalement liée au cirque, qui a pour but de proposer des actions artistiques qui puissent résonner dans la vie quotidienne d’un groupe ou d’un individu.

Nous développons actuellement ces différentes formes d’interventions artistiques et participatives, qui tentent d’éveiller et de rassembler la part de sensibilité commune à chacun.e : 

Un projet participatif d’art sociologique : Micro-trottoir
Un spectacle de rue : Shopping Cart, de rouille et de cartons…(2024)
Une forme courte : Chapitre 1: j’ai perdu le contrôle (2023)
Une forme longue : Chapitre 2: ainsi rugissent les fleurs

Un projet cinématographique : Gas Station

Notre envie ultime est de nous lancer dans une aventure itinérante,
correspondant à nos idéaux et modes de vie.

Un projet itinérant: Le Chapiteau du Cirque Lambda

À Sens Unique est né d’une cohésion de quelques étudiants à l’école de cirque de Québec. En 2013, le collectif migre au Mans et fonde la compagnie. En nous appuyant sur nos différences et la variété de nos disciplines, à coup de petites formes solo ou collectives, en joie ou en galère, nous avons puisé les bases de notre première création « Léger démêlé ». Après avoir sillonné les routes à 6 avec ce spectacle, en France et à l’étranger de 2015 à 2019, nous nous sommes lancés dans la création de formes solo et duo. Le spectacle « Mule » a ouvert le bal en 2017, suivi par « Oratorem » en 2018, puis par « Cruda » en 2020 et de nouvelles créations sont prévues pour la suite ; encore et toujours. En parallèle nous créons également des projets collectifs grâce à des cartes blanches ; des cabarets comme « Merci Bonsoir » ou des médiations culturelles au Mans et partout ailleurs.

Le Collectif aux Petits Oignons est né à Bordeaux en 2019, de la rencontre de trois femmes mues par le désir de travailler ensemble autour de l’intime et du récit de soi.
« Nous nous réapproprions nos histoires par le jeu, la fiction et l’humour afin de créer du lien, et d’ouvrir des espaces de parole et de liberté. Nous créons des spectacles de théâtre, pour la salle et l’espace public, accessibles, drôles et toujours avec un angle féministe. »
Après une première création en 2021, Les Marchandes d’Ail (seule-en-scène selectionné aux Scènes d’été en Gironde), L’inévitable quoique surprenante ascension de Cassandra Lepic est le deuxième spectacle du Collectif.

Installés à Bordeaux, Roxane Brumachon, Bess Davies, Mathieu Ehrhard, Baptiste Girard, Tom Linton ont créé le Collectif OS’O (On S’Organise) en 2011. Au sortir de l’ESTBA (école supérieure de théâtre de Bordeaux Aquitaine), ces cinq comédien.nnes ont eu envie de construire une aventure théâtrale collective.
En janvier 2011 ils créent L’Assommoir, d’après Zola, au TnBA (Théâtre national de Bordeaux Aquitaine) avec le metteur en scène berlinois David Czesienski, rencontré lors d’un échange avec l’école de mise en scène Ersnt Busch de Berlin durant leur formation. Sa méthode de travail, qui met l’acteur au centre, et lui
laisse une liberté d’improvisation et de proposition par rapport au texte et aux situations d’origines les a stimulés et profondément influencés.
En mars 2012, ils créent Débris au TnBA, première pièce de l’auteur anglais Dennis Kelly mise en scène par Baptiste Girard. La même année Roxane Brumachon, Bess Davies et Mathieu Ehrhard créent Il Faut Tuer Sammy d’Ahmed Madani, spectacle jeune public tout terrain qui a joué une centaine de fois dans
les écoles, médiathèques et petites salles de théâtre de la région Aquitaine.
Tom Linton écrit et joue Retenu, monologue d’un retenu du centre de rétention de Vincennes, s’adressant au juge des libertés. En 2014, ils réinvitent David Czesienski à collaborer avec eux pour le spectacle Timon/Titus, créé en novembre 2014 au Champ de Foire de SaintAndré-de-Cubzac. Le spectacle est lauréat du prix du jury et du prix du public du festival Impatience 2015, organisé par le Centquatre, le théâtre de la Colline, le théâtre du Rond-Point et Télérama. Ce spectacle pose la question : « Doit-on
payer ses dettes ? » autour des deux pièces Timon d’Athènes et Titus Andronicus de Shakespeare ainsi que l’essai de l’anthropologue David Graeber, Dette, 5000 ans d’histoire (Les liens qui libèrent, 2013).